The Haunting of Hill House – Shirley Jackson

Me ha pasado muy pocas veces eso de encontrarme con una película o serie de terror que no puedo seguir viendo, que tengo que parar. Supongo que es una combinación de lo que aparece en la pantalla (de casa, de momento no he parado ninguna proyección en el cine) y mi contexto. Digamos que es de noche. Que ya se han ido todos a dormir. Que el viento silba a través de alguna ventana que pide a gritos un burlete. Que se oye avanzar una tormenta, cada vez más juntos el trueno y el rayo.

Dicen que nos gusta el horror (a quienes nos gusta) porque es gratificante esa sensación de poder controlar todas esas cosas horribles que vemos en la pantalla. No son reales. Pero ver la historia de una casa encantada cuando estás en una casa a oscuras puede reducir la sensación de control. El escenario se parece demasiado. Cuando es un barco del siglo XIX o una nave espacial, queda más lejos. Está más controlado.

No sé si es esto lo que me pasó con The Haunting of Hill House, de Netflix. O si me condicionó haber leído que a Stephen King le pareció buenísima, con lo tiquismiquis que debe ser él para las cosas de terror:

O si el problema es que había leído la novela de Shirley Jackson y sabía lo que iba a venir.

El hecho es que tuve que pararla en el primer episodio, titulado «Steven ve un fantasma». Al principio, además: es de noche, estamos en la casa. La pequeña Nell llora y su hermano Steven va a ver si está bien. Cuando le pregunta qué pasa, ella dice que tiene miedo, que ha visto a la señora del cuello torcido otra vez. Aparece también su padre, que la intenta convencer de que ha sido solo una pesadilla. Poco después, vemos a Nell tumbándose para dormir de nuevo, agarrada a su peluche, mientras comienza a sonar una música aciaga que no indica nada bueno. Y ahí la paré, justo antes de los créditos —sí, muy valiente—.

Otro día de contexto más amable, sin tormenta y con humanos despiertos en los alrededores, la seguí viendo ya casi toda de un tirón. Qué buena es.

Como dice Stephen King, esta serie es una versión revisada y remodelada de La maldición de Hill House, de la extraordinaria Shirley Jackson. Es como si la novela se hubiese despedazado y luego se hubieran cogido algunas piezas para montarlas de nuevo con otra forma, como un tangram: los nombres de los personajes, la casa, las situaciones.

Otros detalles han cambiado mucho, como las relaciones entre los personajes. Pero el resultado, tan diferente de la novela, coincide en esa constante sensación de falsa calma, de que va a pasar algo terrible.

La autora: Shirley Jackson

Shirley Jackson (1916-1965), admirada por escritores de la talla de Neil Gaiman, Stephen King, Joyce Carol Oates o Richard Matheson, tuvo una vida corta e infeliz. Corta por infeliz, o eso es lo que se cuenta de ella.

Para empezar, su relación con su madre fue siempre difícil. La mujer quería una reina de la belleza y tuvo en su lugar a Shirley, una niña con sobrepeso y soñadora, interesada en los libros y la brujería. Cuando, tras la publicación de una de sus novelas recibió críticas positivas, su señora madre solo se fijó en la foto que acompañaba una de las reseñas: «si no te preocupa tu aspecto o te da igual tu apariencia, ¿por qué no haces un esfuerzo por tu marido, o por tus hijos? He pasado toda la mañana triste porque te has dejado ver con ese aspecto…».

En su propia casa tampoco vivió un ambiente sosegado. Casada con Stanley Edgar Hyman, un crítico literario y profesor universitario con tendencia a flirtear con sus alumnas, Jackson aguantó sus infidelidades durante toda su vida. Aunque la autora mantenía una actitud altiva, la procesión iba por dentro.

La pareja tuvo cuatro hijos, de los que Jackson se encargaba en exclusiva. En vida fue reconocida entre el público sobre todo por sus artículos e historias acerca de los quehaceres domésticos o la maternidad. Y mientras cuidaba de niños, casa y mascotas, encontró tiempo para escribir sus cuentos y novelas. Porque una, aclaró Jackson, no escribe solo cuando se sienta a escribir:

Paso mucho tiempo haciendo cosas que no requieren grandes capacidades imaginativas y la única forma de hacer que esas tareas mecánicas sean más apetecibles es pensar en otras cosas mientras las hago. Me cuento cuentos todo el día. . . . Y muchas veces se convierten en cuentos de verdad.

Siempre bebió, fumó y comió en exceso. Intentando controlar la ansiedad y perder peso, se enganchó a varios fármacos que le produjeron cambios de humor drásticos, hasta llegar a sufrir una crisis nerviosa que la mantuvo postrada en su habitación, sin poder ni siquiera escribir. Consiguió recuperarse gracias a un tratamiento psiquiátrico y volvió a escribir. sin embargo, esta etapa fue breve. Una noche de verano de un par de años más tarde, cuando se estaba planteando abandonar a su marido y comenzar una nueva vida, se fue a dormir y su corazón dijo basta. Solo tenía 48 años.

La maldición de Hill House

En 1948, Shirley Jackson publicó «La lotería», la siniestra historia de un sorteo con un giro inesperado entre los vecinos de un pueblo americano. Este cuento consiguió dos cosas:

  • Que la crítica colocara a Jackson entre los maestros del terror.
  • Que el cartero de Jackson estuviera muy atareado entregándole cientos de cartas de lectores indignados por el oscuro retrato de la condición humana que encontraron en el cuento.

Por suerte, la reacción de sus lectores puritanos no desanimó a la escritora, que siguió adelante con su carrera literaria. La maldición de Hill House (1959) es su quinta novela y empieza así:

Ningún organismo vivo puede mantenerse cuerdo en condiciones de realidad absoluta durante mucho tiempo; incluso las alondras y las chicharras sueñan, según creen algunos. Hill House, nada cuerda, se alzaba sola frente a sus colinas, reteniendo oscuridad en su interior; llevaba así ochenta años y así podría seguir otros ochenta. Dentro, las paredes seguían derechas, los ladrillos se unían con esmero, los suelos eran firmes y las puertas estaban sensatamente cerradas; el silencio yacía incesantemente sobre la maderas y piedras de Hill House, y lo que fuera que caminase allí, caminaba solo.

De acuerdo con The Wall Street Journal, La maldición de Hill House está reconocida como la mejor entre todas las historias de casas encantadas. Y eso que no hay fantasmas. No los típicos, al menos. Es una novela gótica, de terror más que de horror: la diferencia es que el segundo suele ser más explícito y acompañado de elementos sobrenaturales, mientras que el primero genera miedo a través de elementos reales que se comportan de manera inesperada.

¿De qué trata la novela? De un grupo de personas que participan en un experimento paranormal en una mansión supuestamente encantada:

  • El Dr. Montague, un antropólogo interesado en investigar las manifestaciones de lo sobrenatural.
  • Eleanor, una treintañera con problemas psicológicos y personales.
  • Theodora, una bohemia impulsiva y dotada de una cierta clarividencia.
  • Luke, el esquivo heredero de la mansión.

El experimento consiste en pasar unos días en la casa para observar de manera «científica» los extraños fenómenos que distintos testigos han reportado durante sus ochenta años de existencia.

Es muy probable que hayas visto la serie. Si es así, no pienses que ya no vale la pena leer el libro. Como suele ocurrir, el libro te va a aportar una experiencia diferente. Primero, por el estilo narrativo de Jackson, con lenguaje sencillo y directo y con toques de humor que refuerzan el retrato de los personajes. Y segundo, porque es una experiencia más personal, sin duda. Porque lo que habita Hill House, lo que camina a solas en la casa abandonada, lo esboza Shirley Jackson pero dejando que complete el retrato la imaginación de su lector. Y eso da mucho más miedo.

Plano de Hill House dibujado por Jackson (Library of Congress)
  • Una estancia en la que muchos críticos reconocen como la mejor entre las casas encantadas de la literatura.
  • Una historia cargada de suspense que avanza a paso lento pero firme.
  • Una vía de entrada a la obra de Jackson, que incluye la mucho menos conocida e intimista Siempre hemos vivido en el castillo, una obra maestra del terror psicológico.

Más info:

  • La maldición de Hill House (1959), Shirley Jackson.
  • Género: novela de terror, novela gótica.
  • Páginas: 246.
  • Imágenes: firma (fuente: Wikipedia) y foto de Shirley Jackson (Wikipedia). Portada de la primera edición de la novela (fuente: Wikipedia).
  • Existen dos adaptaciones cinematográficas de la novela: The Haunting (1963), con buenas críticas y The Haunting (1999), con muy malas críticas.
  • Reseña (en inglés) en The Guardian de A Rather Haunted Life, la biografía de Shirley Jackson de Ruth Franklin, otro libro en mi larga lista de lecturas pendientes.
  • En 2020 se estrenó la película Shirley, basada en la novela del mismo título de Susan Scarf Merrell, que es una obra de ficción con tintes biográficos.

Psychoville

Mr. Jelly (que no Mr. Jolly): un payaso con garfio y con un maquillaje entre Pennywise y el Joker que llega a las fiestas infantiles en un coche fúnebre con el lema “mantengo callados a los niños”. Hay que decir que es una propuesta de valor muy tentadora.

Maureen y Edward Sowerbutts: componen el mejor retrato de una relación maternofilial desde Psicosis. Fanáticos de los asesinos en serie, ponen en práctica muchos de sus aprendizajes. Y se quieren mucho. Demasiado.

Son mis personajes favoritos de Psychoville, la serie de dos temporadas de Reece Shearsmith y Steve Pemberton que se emitió entre 2009 y 2011. Conocí el trabajo de estos dos actores y guionistas británicos gracias a Inside No. 9, serie a la que dediqué una entrada en este blog. Como fue de esas series que dejan un vacío del tamaño del Gran Cañón, seguí buscando qué más habían hecho Shearsmith y Pemberton y llegué a esa maravilla del humor negrísimo que es Psychoville. Después he seguido con The League of Gentlemen, serie anterior a Psychoville, con lo que voy viendo como los actores son cada vez más jóvenes, cual pareja de Benjamin Buttons.

Huelga decir que no es para todos los públicos. Porque no hay nada que nos guste a todos, claro que no. Pero hay productos muy populares con los que te arriesgas menos si los recomiendas y otros que atesoras para disfrute propio, sin recomendar para no arriesgarte a que la palabra «series» sea tabú cada vez que te juntas con tus amigos.

Pero ya ves que no me puedo resistir a recomendarla. Psychoville es una comedia muy negra y muy británica. Aquí va el trailer:

¿Te parece un poco cutre? Lo entiendo. Pero si te va el humor negro y estrafalario, con unos toques de terror gótico y de suspense, no dejes que esa estética que parece sacada de una sitcom del siglo pasado te eche para atrás.

Porque, además del humor, Psychoville ofrece una colección de personajes memorables, que lo son no solo porque nos hacen reír, sino porque en sus 14 episodios de media hora los vamos conociendo a fondo y los vemos evolucionar. En mi caso, hasta le cogí cariño a algunos que me daban grima al principio.

Al contrario que en Inside No. 9, donde nos encontramos con capítulos que son historias independientes, aquí existe una trama tipo thriller que avanza episodio tras episodio, con grandes dosis de suspense. No se trata de una colección de sketches o chistes a lo Monty Python’s Flying Circus. La narración arranca con un misterio: los cinco personajes protagonistas reciben una carta anónima con el texto «sé lo que hiciste…». Sus vidas se entrelazan a partir de ese momento, con sorpresas que se van develando en cada episodio.

No desvelo nada más de la trama. Bueno, solo una cosa más: hace poco vi la serie de Apple TV Servant (2019), que trata sobre una pareja que ha perdido a su bebé. Una terapeuta decide darles un muñeco muy realista (sí, existen) para reemplazar al bebé muerto y así ayudar a la perturbada madre a sobrellevar la tragedia. El problema es que la pobre mujer empieza a creer que el muñeco está vivo, que es su hijo. Pues bien, la misma historia apareció en Psychoville 10 años antes con el personaje de Joy (brutal Dawn French), la comadrona. Con desenlaces y muñecos muy distintos, eso sí.

Joy tiene la suerte de poder llevar a su hijo al trabajo.

Al inicio mencionaba la película Psicosis. La relación de los Sowerbutts no es la única referencia a Hitchcock. La pareja madre-hijo protagoniza un episodio que es un homenaje a La Soga (Rope, 1948), esa película experimental del británico rodada en largos planos secuencia en un único escenario, una habitación. El mismo método se utiliza en el episodio 4 de la primera temporada, en el que Maureen (Shearsmith) y David (Pemberton) arrancan estrangulando a un hombre al son de los violines gritones de la escena de la ducha de Psicosis.

Y no es la única referencia: Psychoville es muy intertextual y revela la pasión por el cine de sus creadores. Disfrutarás si te gusta jugar a cazar las referencias, no solo cinéfilas sino también literarias y culturales, tanto en las situaciones como en los decorados y en los objetos que utilizan los protagonistas. No voy a poner más ejemplos para evitar más spoilers, pero es una serie cuya imagen algo destartalada oculta una minuciosa atención al detalle.

Solo un detalle más: me vuelve loca el peinado de Mr. Jelly (Shearsmith, divertidísimo cuando se pone en la piel de personajes coléricos), el payaso. Lleva un triste mechón peinado sobre la coronilla de su peluca, como intentando disimular la falsa calva de ese disfraz que no se quita ni para dormir. Un detalle vanidoso que aporta textura a un personaje por lo demás… desastroso.

Video promocional de Mr. Jelly, payaso para fiestas infantiles (de su web http://www.jellyparties.co.uk/)

Otra baza de Psychoville es su reparto. Junto a Shearsmith y Pemberton encontramos a Mark Gatiss (Sherlock, Doctor Who) que, junto con el guionista Jeremy Dyson, formaron el cuarteto cómico The League of Gentlemen a mediados de los 90 (el mismo nombre que utilizaron para su primera y surrealista serie). Además de la ya mencionada Dawn French, aparecen Daniel Kaluuya (Get Out), Daisy Haggard (Back to Life), Imelda Staunton (Harry Potter, Pride), Mark Bonnar (Line of Duty), Katherine Parkinson (The IT Crowd), Amanda Abbington (Sherlock), entre otras caras que te resultarán conocidas si te interesa el panorama seriéfilo británico.

En resumen: te recomiendo Psychoville si te va el humor británico (negro, incorrecto, brillante, despiadado, inteligente y muchas veces absurdo) y si has disfrutado con series como The IT Crowd, Garth Marenghi’s Darkplace, Utopia o la norteamericana (con sangre neozelandesa) Lo que hacemos en las sombras.

Más información:

  • Psychoville (el título, por cierto, surge del nombre que le dieron en Japón y Corea a The League of Gentlemen).
  • Temporada 1 (2009): 7 episodios de 30 minutos.
  • Episodio especial de Halloween (2010): 1 episodio de 45 minutos.
  • Temporada 2 (2011): 6 episodios de 30 minutos.
  • En España está disponible en Filmin en VOS.

Mr. Turner

Mr. Turner (2014) es una película de Mike Leigh protagonizada por Timothy Spall y centrada en la etapa de madurez del pintor inglés Joseph Mallord William Turner (1775-1851). Seguro que conoces sus cuadros: manchas de color con las que evocaba la luz de paisajes en los que, a menudo, aparecían naufragios o nuevas máquinas de la época. Piensa en locomotoras y barcos de vapor.

Lluvia, vapor y velocidad. El gran ferrocarril del oeste. 1844

Mr. Turner es una película que ha gustado a los críticos pero no a la audiencia, como ilustra Rotten Tomatoes:

Sobresaliente alto para la crítica y aprobado rascado para el público. ¿Qué pasa?

La vi hace unos días. Le di al play una noche ya tarde, pensando que quizás tendría que verla en dos partes: en modo serie. Me enganchó. Acabe viéndola entera y acostándome muy tarde y muy contenta. Así que estoy del lado de la crítica aquí. Aunque entiendo la baja puntuación de la audiencia, porque Mr. Turner no es:

  • Un biopic al uso. Vemos aquí la madurez de Turner, pero no nos cuentan su infancia ni inicio de su carrera. No aparece el típico gran momento de la verdad en el que el artista descubre su vocación.
  • Corta. Todo lo contrario, son 150 minutos caminando, pintando, comiendo, fornicando, cantando y viajando junto a Turner.
  • Sentido y Sensibilidad con óleos y acuarelas. El siglo XIX que vemos aquí no está idealizado. A ratos huele mal.

Entiendo que llegar a Mr. Turner esperando una película biográfica estándar decepcione. Porque esta película es otra cosa. Esto es lo que (en mi humilde opinión) sí que es Mr. Turner:

  • Una colección de impresiones de la vida de Turner. Casi como una exposición de momentos, fotografiados con una luz que parece pintada por el propio artista, con predominio de tonos amarillos.
  • Un Timothy Spall brutal (se llevó la Palma de Oro de Cannes) que da vida a un Turner que camina y gruñe como un jabalí. Es hosco, arrogante y misántropo. Vive con su padre y con una sirvienta (Dorothy Atkinson) con la que tiene sexo cuando y donde le apetece, algo que al parecer era —lamentablemente— común en la época. Pero el conjunto es muy humano. Y la imagen huraña de Turner-Spall (esa gárgola, como él mismo se define) contrasta con su expresión cuando encuentra la belleza a su alrededor, esa luz que captará en sus cuadros.
  • Una visión realista del siglo XIX, con sus problemas de higiene, sus enfermedades —esa especie de psoriasis que va avanzando en la piel de la pobre sirvienta—, sus contrastes sociales y su misoginia. La película me dejó la sensación de haberme asomado a una ventana a esa época. Hay muchos detalles del día a día, como cuando el padre (Paul Jesson) va a comprar pigmentos y luego trabaja en el estudio preparando y mezclando las pinturas. Lo tocas, lo vives.
  • Un paseo por los entresijos del mercado del arte, incluyendo visitas a la Royal Academy a la que los pintores acuden para ver dónde han colocado sus obras, lo que les informa de cómo va a ir su carrera artística.
  • Un retrato del amor maduro sin azúcar ni edulcorantes que resulta creíble y conmovedor.

Hay algo más, un detalle que puede hacer bajar la puntuación del público. Mr. Turner fue la película con más denuncias a la BBFC (British Board of Film Classification) de 2014 debido a una escena de sexo en la que Spall aprieta su trasero contra el de su sirvienta, mientras gruñe. El encuentro es breve y el culo de Spall está cubierto con sus pantalones. Pero la película estaba clasificada para mayores de 12 años y una parte de la audiencia consideró la escena inadecuada. La BBFC mantuvo la clasificación.

Turner experimentó también la controversia. Contó con el favor del público y de la crítica durante gran parte de su vida: a los cuarenta era un pintor rico y orgulloso que había revolucionado el panorama artístico. No obstante, hacia el final de su carrera se generalizó la idea de que el pintor estaba loco o senil. Su carácter introvertido se acentuó y no decía una palabra más de la necesaria. Sus cuadros se volvieron más abstractos. Sus detractores decían que parecían pintados por alguien sin manos, o con una fregona como en este grabado del ilustrador Richard Doyle.

J.M.W. Turner, grabado de Richard Doyle (1846) NPG D6996

Es lo que tiene ser innovador en el mundo de arte: no todo el mundo está preparado para aceptar lo nuevo. Sin embargo, el tiempo puso en su sitio a Turner y a sus críticos. Aunque pertenece al Romanticismo, su estilo le colocó en la vanguardia de su época y fue muy influyente en los impresionistas. También se le considera un precursor del arte abstracto.

Destaco una escena de la película en la Royal Academy. La sala es impresionante, con cuadros colgados en cada centímetro de pared llegando hasta el techo acristalado. Los pintores —baile de chaqués negros y sombreros de copa— están atareados haciendo retoques en sus cuadros y ojeando los de sus compañeros y competidores. Es el día previo a la apertura de la exposición, conocido aún hoy como Varnishing Day, o «día del barnizado». Parece ser que Turner hacía algo más que retocar: acababa algunos de sus cuadros en la misma sala, ante los ojos incrédulos y burlones de sus colegas.

Aquí puedes ver cómo se hizo esta escena, con tanta atención al detalle que consigue transportarte a la época.

La película está disponible en España en Filmin. Te la recomiendo si te gusta el arte, el cine británico de época —cómo bordan la ambientación, nadie lo hace como ellos— y las historias de ritmo pausado pero minuciosas en el retrato de los personajes y en los detalles. Si no, descártala.

Más información:

  • Imagen destacada: J.M.W. Turner por Charles West Cope, NPG 2943
  • Entrevista a Timothy Spall, en la que describe cómo se preparó para interpretar a Turner: con 2 años de clases de pintura, entre otras cosas.
  • Sí, Timothy Spall sale aquí más guapo que en Harry Potter.

Pálido fuego, de Vladimir Nabokov

Pálido fuego (Pale Fire, 1962) es una novela de Vladimir Nabokov. Un novela atípica, con una estructura muy peculiar y con un perfecto espécimen de narrador poco fiable. A la altura, en cuanto a credibilidad, del mismísimo Humbert Humbert de Lolita.

No quiero desvelar mucho aquí, por si no la has leído. Más adelante habrá spoilers, te avisaré antes. Porque lo mejor es llegar a Pálido fuego sin mucha información previa e ir descubriendo las sorpresas que Nabokov fue dejando en el texto para que nosotros, los lectores, trabajemos nuestra propia interpretación.

Pálido fuego se presenta como la edición póstuma del poema homónimo escrito por el poeta norteamericano John Shade. En la superficie, el texto tiene la forma típica de este tipo de libros: un prólogo del autor, llamado Charles Kinbote, seguido del poema en cuatro Cantos de Shade; a continuación encontramos las notas de Kinbote sobre los versos y, por último, un índice.

Kinbote nos informa de que conocía personalmente al difunto Shade. Ambos eran colegas en la universidad de New Wye, Appalachia. Además, eran vecinos: Kinbote había alquilado una casa al otro de la calle de Shade, desde donde podía ver la casa de su admirado poeta.

Hasta aquí la capa superficial, las apariencias. No parece muy interesante, ni mucho menos una novela. A menos que te gusten los estudios académicos sobre poesía norteamericana de mediados del siglo XX, es posible que descartes este libro en este punto.

No lo descartes.

Pálido fuego se puede leer como un estudio académico del ficticio profesor Kimbote acerca del ficticio poeta Shade, pero eso sería como leer Lolita como si fuera la desgarradora historia de amor del incomprendido profesor Humbert.

Recurriendo a la manida imagen de las muñecas rusas —topicazo, hablando de un escritor ruso—, el análisis del poema es solo la primera muñeca, la más grande, la que con su sonrisita tímida oculta en su interior una serie de matrioshkas que —quizás— no tienen una cara tan amable.

Si no abres la primera matrioshka, no sabrás si las de dentro están igual de contentas.

Pálido fuego es un ejemplo de metaficción, ya que es ficción sobre otra ficción (el poema). Es también una novela hipertextual, con enlaces entre las distintas partes del texto (las abundantes notas del poema) que ofrecen distintas interpretaciones a un mismo lector si elige cambiar el orden de lectura. Pensarás en el clásico ejemplo de Rayuela, de Cortazar, publicada un año después. O en aquellos libros infantiles en los que eliges tu propia aventura. Todos son ejemplos de hipertexto, un término que puede sonar muy moderno para principios de los 60, pero que fue acuñado solo un año después. El creador del neologismo utilizó la novela de Nabokov para hacer una demostración del funcionamiento de los hipervínculos en 1969.

Pálido fuego: aquí vienen muchos spoilers

Último aviso: no sigas si aún no has leído este libro y quieres leerlo.

Una vez abierta la primera muñeca rusa, Pálido fuego se desvela como algo mucho más interesante. El narrador es Charles Kinbote, quien se define como un profesor nativo de Zembla, una nación con cierto aire soviético del norte de Europa. Inmediatamente, ya en el prólogo, vemos que él ha venido aquí a hablar de su libro. Utiliza el poema de Shade como pretexto para hablar de sí mismo, de Zembla y para contarnos la historia de su rey, Charles II el Bienamado, quien protagonizó una huida trepidante de su reino a consecuencia de una revolución.

La historia puede resultar difícil de leer al principio, puesto que hay mucha digresión sobre asuntos zémblicos y, además, está el poema íntegro de Shade. Pero vale la pena el esfuerzo porque Nabokov va recompensando con creces al lector. Su Kinbote se autorretrata a través de sus historias grandilocuentes y también mediante su descripción de las conversaciones con Shade y, sobre todo, con Sybil, la esposa del poeta. Ella tiene calado desde el principio a este personaje rimbombante y misógino, hilarante en su interpretación de una realidad de la que se siente protagonista.

Bajo la primera capa ya comentada (Pálido fuego es la edición comentada de un poema) aparece rápidamente la segunda. En esta versión, Kinbote va dejando entrever que él es el monarca expatriado de Zembla, viviendo de incógnito en Estados Unidos. Además, está convencido de que el tema principal del poema de Shade es Zembla, puesto que en sus conversaciones con el poeta él se encargó de narrarle con todo detalle las aventuras del rey fugitivo y de su perseguidor Gradus, dignas del mejor James Bond. Kinbote trata de que Shade le deje ver el poema mientras lo está componiendo, pero no lo consigue. Cuando por fin lo acaba, Kinbote le invita a tomar una copa en su casa, pero en ese momento aparece Gradus, que ha descubierto que Kinbote es en realidad Charles. Les dispara cuando se dirigen a su casa, pero falla el tiro y mata a Shade en lugar de a Kinbote.

Viendo a Shade muerto, Kinbote le arrebata el poema de las manos y lo guarda. Al leerlo, se da cuenta de que el poema no trata sobre Zembla, sino sobre Hazel, la hija de los Shade, que se suicidó un tiempo atrás. No obstante, Kinbote no cede en su empeño. En la parte de los comentarios o notas del poema, consigue leer entre líneas e interpretar todas las referencias que el poeta escondió en sus versos acerca de la nación europea y de su heroico rey exiliado.

O quizás no. Y por eso vale tanto la pena este libro. Porque convierte al lector en una especie de detective que va recogiendo las pistas y llegando a conclusiones. Nabokov cuenta con nosotros para que la historia real salga a la superficie.

Nabokov, retador.

En esta tercera capa o lectura, Kinbote está loco y Zembla y su rey existen solo en su imaginación. Gradus, su némesis, tampoco existe. El asesino de Shade era un expresidiario que confundió al poeta con el casero de Kinbote, el juez que le envió a la cárcel.

A partir de esta lectura, diversos académicos han llegado a distintas conclusiones. La que ha tenido más aceptación es que en realidad Kinbote es un pedante profesor ruso llamado Botkin, alguien a quien nadie soporta como deja claro una mujer que le espeta en una tienda:

«Es usted una persona extraordinariamente desagradable. No entiendo cómo John y Sybil pueden soportarlo— y exasperada por mi sonrisa cortés, añadió—: Y además está usted loco».

Pero ha habido otras interpretaciones. Que Shade es el narrador y que se inventó al personaje de Kinbote para comentar su obra. O que el poema está escrito por la hija muerta de Shade, Hazel.

El propio Nabokov resolvió el puzle en una entrevista en el New York Herald Tribune:

“It is jollier than the others,” he said, “and it is full of plums that I keep hoping somebody will find. For instance, the nasty commentator is not an ex-King of Zembla nor is he Professor Kinbote. He is Professor Botkin, or Botkine, a Russian and a madman. His commentary has a number of notes dealing with entomology, ornithology, and botany. The reviewers have said that I worked my favorite subjects into this novel. What they have not discovered is that Botkin knows nothing about them, and all his notes are frightfully erroneous. . .”

Aquí lo deja claro: es el loco de Botkin. Y afirma también que sus comentarios acerca de entomología, ornitología y botánica son erróneos, lo que añade textura a este personaje tan megalómano y narcisista. Yo tengo que decir que no me di cuenta de estos errores, los busqué después, al leer la entrevista, en la que se revelan más detalles de un libro muy divertido y lleno de sorpresas que no te puedes perder si disfrutas leyendo entre líneas.

  • Un estudio de una obsesión narrada en primera persona por un personaje inolvidable.
  • La experiencia de jugar a resolver un rompecabezas creado por Nabokov, nada menos.

Más información:

La brújula de Noé, de Anne Tyler

La brújula de Noé (Noah’s Compass, 2010) es una novela de Anne Tyler, la escritora ganadora de un Pulitzer que sitúa casi todas sus obras en Baltimore.

Me ha sorprendido leer que Tyler no es de Baltimore. Nació a unos 1800 kilómetros de distancia, en Mineápolis, aunque creció en una comunidad cuáquera de Raleigh, en Carolina del Norte. Abandonó la religión de sus padres ya muy pronto: a los siete años se dio cuenta de que no podía creer en Dios y ha sido atea desde entonces, definiéndose como una persona no espiritual que no tiene interés en conocer el sentido de la vida.

Tras acabar sus estudios de Filología Rusa, Tyler se casó con un psiquiatra iraní y es entonces cuando aparece en escena Baltimore, ya que su marido obtuvo una plaza en un hospital de esta ciudad. Al principio la odiaba. Poco después, ya no se veía viviendo en otro sitio y ha convertido la ciudad en el escenario de casi todas las novelas.

Baltimore (foto de Abdullah Almutairi en Pexels.com)

Descubrí a Anne Tyler hace muchos años, cuando vi El Turista Accidental (1988) de Lawrence Kasdan en una cinta VHS de videoclub. La película me encantó, pese a que estaba cargada de adultos hechos y derechos cuyas preocupaciones me quedaban aún muy lejos (luego descubrí que no tanto, no tan lejos). Qué jóvenes me parecen ahora aquellos William Hurt, Kathleen Turner, Geena Davis y Bill Pullman. Y el corgi.

Después de ver la película leí el libro y seguí leyendo libros de esta autora, incluyendo Ejercicios respiratorios, la novela con la que ganó el Pulitzer. Por el motivo que sea —¿muchos libros en la lista y poco tiempo?— llevaba ya tiempo sin adentrarme en una historia de Tyler y leer ahora La brújula de Noé me ha dado la sensación de encontrarme con un grupo de viejos amigos. De volver a esa zona de confort de la tanto se empeñan en hacernos salir los gurús expertos en desarrollo personal.

La brújula de Noé es la decimoctava novela de Anne Tyler. Su protagonista, Liam Pennywell, es un profesor de primaria que se ha quedado sin trabajo a los 61 años. Para reducir costes, decide dejar su piso y mudarse a un modesto bloque de apartamentos en las afueras de Baltimore. En el primer capítulo nos lo encontramos en plena mudanza, acompañado por un amigo y por el novio adolescente de la menor de sus hijas. Al acabar, Liam se acuesta agotado en su nueva habitación. Cuando despierta, se encuentra en otro sitio: en la habitación de un hospital, con la cabeza vendada. Y no recuerda cómo ha llegado allí.

En el hospital vamos conociendo a la familia de Liam: sus tres hijas y su exmujer, Barbara. Nos vamos enterando de que Liam es, además, viudo: la madre de su hija mayor murió cuando la niña era aún muy pequeña. También nos cuentan qué le pasó a Liam. Alguien se coló en su apartamento con la intención de robar. Liam debió despertarse e intentó impedirlo enfrentándose al ladrón y acabó con una herida en la mano y un golpe en la cabeza que le dejó inconsciente. Un vecino oyó el ruido y llamó a emergencias.

La obsesión de Liam por recuperar esos recuerdos perdidos es lo que pone en marcha la trama de esta novela. Y no porque tenga un afán de venganza por el ladrón —en paradero desconocido— ni miedo de que vuelva a suceder. Lo que le angustia es la pérdida de control que siente al no ser capaz de recordar nada de lo que pasó. En la sala de espera de un neurólogo, a quien acude para saber si hay forma de recuperar la memoria, se fija en un paciente anciano que llega acompañado por una mujer joven. Oye como la joven pronuncia un nombre femenino justo antes de que el hombre salude a la recepcionista en voz alta, utilizando el nombre que le acaban de apuntar. Liam se queda fascinado por el rol de esa mujer, a la que considera una especie de disco duro externo de memoria, una experta en el funcionamiento de los recuerdos. Y a partir de ese momento hará todo lo posible por conocerla.

He leído toda la novela poniéndole la cara de Peter Mullan a Liam Pennywell.

La brújula de Noé es una novela simple en apariencia. De esas en las que muchos dirían que no pasa nada. Con protagonistas típicos de Tyler: un hombre de mediana edad al borde de una crisis, rodeado de una familia atípica. Retrata como nadie a personas que han llevado una vida cómoda y predecible y que, por algún acontecimiento inesperado, ven su rutina alterada. Su vida patas arriba.

No la leas si El turista accidental te pareció un peñazo. Porque va en esa línea. Tyler no es una escritora de tramas a lo Grisham, Christie o Child. Sus personajes son imperfectos, a veces antipáticos o poco agradables. Pueden ser torpes, con habilidades sociales limitadas, excéntricos, irritables. Y viven situaciones cotidianas. Precisamente por todo esto, son muy creíbles. De carne y hueso: personajes con los que los lectores nos podemos identificar.

Destaca también por el humor —a veces sutil, a veces negro— con el que retrata a los personajes o las situaciones, incluso cuando son dramáticas, como el robo en casa de Liam. Y por la precisión de su lenguaje al describir las sensaciones, con las palabras justas y creando imágenes que nos permiten ponernos en la piel de los personajes, como en esta frase que describe cómo Liam intenta recordar lo sucedido, aún en el hospital y con la cabeza vendada:

His lost memory was like a physical object just beyond his grasp. He could feel the strain in his head. It made the throbbing even worse.

Me parece muy gráfica esta imagen del esfuerzo mental intentando llegar a tocar ese objeto, la memoria perdida, justo fuera de su alcance. Tyler usa un vocabulario tan sencillo que puede parecer fácil pero que no lo es. En absoluto. El proceso de escritura de la autora es laborioso: escribe varios borradores a mano, pasando a ordenador solo las partes con las que está satisfecha; después imprime el borrador y lo reescribe de nuevo a mano. Por último, lee el texto completo en voz alta y lo graba con un dictáfono, para transcribir la versión final.

Un camino en Roland Park (Baltimore), el barrio en el que vive Anne Tyler. El Turista Accidental se rodó en casas de este mismo barrio. (foto de Eli Pousson)

La brújula de Noé te gustará si disfrutas leyendo historias creíbles de personajes de carne y hueso, con esos toques de humor tan típicos de esta escritora. Anne Tyler ha sido una escritora bastante esquiva, reacia a dar entrevistas y a aparecer en eventos públicos, pero en los últimos años dice haberse relajado un poco y ha desvelado algunos de sus secretos para crear estos personajes tan particulares: las conversaciones de gente real en la calle —o en la caja del supermercado—, el trabajo del sociólogo Erving Goffman con el estudio de la interacción social, y los vídeos de Youtube cuando necesita añadir detalles acerca de la profesión de sus personajes.

  • Un retrato de Baltimore, de sus calles y de su gente.
  • La respuesta a la pregunta ¿qué tiene que ver la brújula de Noé con todo esto?
  • Un ejemplo de cómo las grandes revelaciones de la vida nos pueden pasar desapercibidas si no estamos atentos.

Más información:

  • Imagen de Peter Mullan de Andymiah en Wikipedia.

Ancho mar de los Sargazos – Jean Rhys

Ancho mar de los Sargazos (Wide Sargasso Sea) es una novela de la escritora Jean Rhys (1890-1979) publicada en 1966. Antes de hablar de este libro, una breve introducción.

Me gusta mucho la novela del siglo XIX: Mary Shelley, Jane Austen, las Brontë, Louisa May Alcott, Oscar Wilde, Henry James, etc. Pero no me gustaría haber sido una mujer en el siglo XIX.

Ni siquiera me pondría en la piel de una de las heroínas más celebradas de la época, Jane Eyre. Es un personaje admirable, no digo que no. Jane supera a golpe de tesón una niñez dickensiana —peor, porque los protagonistas de Dickens tenían mejor pronóstico solo por haber nacido hombres— y acaba convertida en la señora de Rochester. Del atormentado y byroniano Edward Rochester. Que bajo el mismo techo en el que cortejaba a Jane —casi 20 años más joven que él— mantenía a la hija de una de sus amantes y a su legítima esposa, Bertha Mason, encerrada en una habitación de la buhardilla, con la excusa de que estaba loca.

Hay que decir que Jane rechaza a Rochester cuando se destapa el pastel de su mujer y que, cuando por fin acepta casarse con él, es porque se lo encuentra ciego y desfigurado tras haber intentado de forma heroica—sin éxito, ejem— salvar a su mujer de un incendio que ella misma había provocado. Castigado por sus pecados. Hecho un cromo. Seguro que en sus años con Jane a partir de ese momento —el final de la novela— fue mucho más manso. Además, ella había conseguido la independencia económica gracias a una herencia inesperada. Así que no es una damisela en apuros, ni mucho menos.

Jane Eyre es una gran novela, un clásico que hay que leer. Jane es un personaje muy vivo, que habla contigo, lector, como lo hacemos tantos bloggers hoy en día (su famoso «Reader, I married him»). Por supuesto, hay que situarse en en el marco histórico-social victoriano en el que Charlotte Brontë escribió esta novela. No podemos juzgar las decisiones de su protagonista como si fuera una chica de 18 años de hoy. No. La novela es revolucionaria para su época (hablamos de 1847) en su exploración de la búsqueda de la libertad de una mujer, una libertad que le permitirá expresarse tal y como es y controlar sus relaciones con los otros. Es protofeminista.

Sí, pero no olvidemos el pequeño detalle de que Rochester tenía a su primera mujer encerrada en la buhardilla.

Jean Rhys (izquierda) en los 70.

Jean Rhys no lo olvidó. Porque ella, nacida en las Antillas de padre galés y madre criolla, podía ponerse en la piel de la Bertha Mason de Brontë, nativa de Jamaica. Aunque les separaba más de un siglo, Rhys vivió en sus carnes lo que era ser una criolla en Inglaterra, a donde llegó con 16 años. Se burlaron de su acento, de la condición de otredad a la que estaba sujeta por su origen, hasta el punto de que no consiguió estudiar arte dramático como se había propuesto. A partir de ahí llevó una vida digamos que intensa, para no entrar aquí en detalles.

Rhys empezó a escribir a los veintitantos, pero Ancho mar de los Sargazos la escribió después de un parón literario de casi tres décadas, cuando tenía 76 años. Esta novela es uno de los primeros libros en los que un personaje de un libro muy conocido toma el papel de protagonista y cuenta su historia. En este caso es la loca del ático, la mismísima Bertha Mason, quien nos narra su historia desde su niñez en Jamaica, entonces una colonia británica.

Bertha no es su nombre real. Se llama Antoinette, primero Cosway y luego Mason, tras el segundo matrimonio de su madre. Rochester entra en su vida a través de un matrimonio de conveniencia: por dinero, para lograr la independencia económica de su padre. Tras un breve cortejo, se casan y se trasladan a una finca de los Mason, donde ambos comenzarán a cuestionarse la relación. Un supuesto pariente de Antoinette le hace saber a Rochester que la locura corre por las venas de su nueva esposa, heredada de su madre. A partir de ahí, cada salida de tono de Antoinette hace que se confirme la sospecha de Rochester. A su vez, ella descubre que su marido no la ama, lo que no le sienta nada bien. Él va dejando clara su indiferencia hacia ella, su desprecio incluso, hasta el punto de cambiarle el nombre.

“Don’t laugh like that, Bertha.”
“My name is not Bertha. Why do you call me Bertha?”
“Because it is a name I’m particularly fond of. I think of you as Bertha.”

Ancho mar de los Sargazos no es solo una precuela de Jane Eyre. Es una novela poscolonial, en la que Rochester representa el papel de colonizador que llega a la isla tratando de arramblar con todo lo que pueda. No solo quiere el dinero y las tierras de Antoinette. Le cambia el nombre como los colonos europeos cambiaban el nombre de los territorios que ocupaban. La posee para hacer con ella lo que quiera. Anula su identidad, preparando el camino para que acabe convertida en la figura fantasmal que Brontë necesitaba para darle ese toque gótico a su historia.

Es también una novela feminista, que denuncia la opresión patriarcal sufrida por Antoinette / Bertha. Esta doble opresión, la colonial y la patriarcal, conducirá al final horrible de Bertha en Thornfield Hall que ya conocemos.

Esta breve novela (152 páginas) es muy recomendable si te gusta Jane Eyre. Algunas personas opinan que destroza la novela de Brontë, pero yo no lo veo así. Lo que hace es dar voz a un personaje que se merecía una biografía y que, con su narrativa, pone de relieve todas esas tensiones que estaban latentes en el texto original: la dominación patriarcal y colonial y las identidades mestizas. Puedes volver a leer y a disfrutar Jane Eyre después de Ancho mar de los Sargazos, encontrando nuevos significados en escenas que podían haberte pasado desapercibidas.

Por supuesto, la obra de Rhys es solo una interpretación de lo que pudo ser la vida del personaje creado por Brontë. Es una ficción sobre otra ficción. Así que, si prefieres creer la versión de Rochester, en la que él es solo la pobre víctima de una lunática, puedes hacerlo. Es la maravillosa subjetividad de la literatura: las particularidades que tenemos como lectores —como humanos— nos permiten crear y recrear el texto de manera única en cada lectura.

  • Un viaje al exuberante Caribe de 1830: el libro está lleno de descripciones muy vívidas de la naturaleza, que sirven para subrayar el contraste con la fría y gris Inglaterra representada por Thornfield Hall.
  • Un ejemplo temprano de lo que hoy conocemos como fanfiction: nuevos textos creados por y para fans a partir de un texto original.
  • Una lección sobre el punto de vista: ¿crees que conoces bien una historia? Intenta verla desde otro ángulo.

Más información:

  • Foto de Jean Rhys de Wikimedia Commons.
  • Sandra Gilbert y Susan Gubar escribieron en los 70 un ensayo clave de la crítica literaria feminista (Madwoman in the Attic: The Woman Writer and the Nineteenth-Century Literary Imagination) que analiza el significado e importancia de Bertha y de otros personajes similares como catarsis para sus autoras.

El Invencible, de Stanislaw Lem

La mayoría de lectores conocemos al escritor polaco Stanislaw Lem (1921-2006) por Solaris (1961), una gran novela de ciencia ficción que cuenta con tres adaptaciones al cine: las de los soviéticos Nikolái Nirenburg (1968) y Andréi Tarkovski (1972) y la del estadounidense Steven Soderbergh (2002).

Acabo de leer una obra menos popular: El Invencible (1954), del subgénero conocido como hard science fiction o ciencia ficción dura, que se caracteriza por su rigor científico a la hora de describir los elementos científicos y tecnológicos que sostienen la trama. Además de Lem, otros autores de este subgénero son Isaac Asimov, Arthur C. Clarke, Michael Crichton o el marciano Andy Weir. Las novelas de ciencia ficción dura pueden resultar algo densas para lectores no aficionados al género, por la cantidad de detalles que el autor aporta para dar credibilidad a la ciencia que se describe. No me ha parecido que ese sea el caso de El Invencible, una obra que en poco más de 200 páginas va bastante al grano.

Lem, mostrando una réplica exacta del protagonista de El Invencible

La novela describe el viaje de la nave El Invencible al planeta Regis III con la misión de averiguar el paradero de la Cóndor, otra nave desaparecida un año atrás junto con toda su tripulación. Lem describe de manera muy vívida el paisaje inhóspito y desolado del planeta, de características similares a la Tierra —el aire se puede llegar a respirar, la gravedad es similar—, pero aparentemente desprovisto de vida. Pronto, los tripulantes de El Invencible descubren que sí que hay vida en el océano, en el que capturan peces muy parecidos a los de nuestro mares, por lo que les sorprende no encontrar organismos en la superficie terrestre.

El Invencible es ciencia ficción pero se puede leer también como una novela de misterio en la que se van desvelando las piezas de un rompecabezas que poco a poco va cobrando sentido. Para empezar, descubren lo que parecen ser restos de vida inteligente: una ciudad formada por unas misteriosas estructuras metálicas. Después, encuentran los restos de la Condor y los cadáveres de su tripulación. No se sabe qué les ocurrió, pero parece tener relación con una extraña forma de vida alienígena con la que se tropiezan los exploradores: unas diminutas pero temibles moscas mecánicas que componen un superorganismo capaz de anular a máquinas y humanos por igual.

La novela entretiene. Y mucho. Pero Lem no se queda en el entretenimiento. Nunca lo hace, en El Invencible tampoco. El relato te conduce además a una reflexión filosófica sobre la naturaleza de la evolución y sobre el antropocentrismo tan habitual en el género. De hecho, al inicio de esta novela nos encontramos con una situación muy común en este género, tanto en literatura como en el cine: la de los humanos arrogantes que llegan a un planeta dispuestos a arrasar con todo para rescatar —o vengar— a los suyos: si hay que aniquilar a los nativos, se aniquilan. Sin embargo, a medida que Rohan, el protagonista, se va adentrando en los dominios de esos nanobots, se le van deshaciendo las gafas de conquistador y llega a una conclusión que no cree que sus compañeros compartan:

No nos está destinado todo el universo, no todo cuanto existe nos pertenece.

Una obviedad, ¿verdad? No tanto si estudiamos la historia de la humanidad y los escenarios futuros que se plantean en gran parte de la ciencia ficción.

Al parecer, 2021 será el año de Stanislaw Lem. Para conmemorar su 100 aniversario, la editorial del MIT publicará varias de sus obras, algunas inéditas en inglés. Veo también que se va a lanzar un videojuego basado en El Invencible. Si te quieres adelantar a la celebración, te animo a empezar por El Invencible, una muy buena novela de esas que se leen casi como se ve una —muy buena— película.

  • Un viaje a un planeta muy lejano, cuya geografía similar a la de la Tierra hace que sean aún más inquietantes los hallazgos de la tripulación de El Invencible.

  • Una reflexión sobre el nombre elegido para la nave y la novela: ¿qué o quién es invencible aquí?

  • La satisfacción de ver cómo evoluciona una novela que te engaña con un principio a lo película de Bruce Willis. Pero nada que ver.

Inside No. 9

Esta semana se me han acabado los episodios de Inside No. 9. Me he quedado un par de días con esa sensación de vacío que queda al terminar una serie que te ha atrapado. Es como un pequeño duelo. Primero viene la negación (no puede ser, voy a ver si hay otra temporada), luego te enfadas (¿por qué esta solo tiene 5 temporadas y otras mediocres tienen 200?), después negocias (quizás podría volver a ver los capítulos que más me han gustado), luego viene la tristeza (el vacío en sí: oh, nada volverá a ser lo mismo) y, por último, la aceptación: vale, se terminó y no habrá otra igual, pero hay tantas series en las plataformas como peces en el mar.

La verdad es que ya he pescado otra: el remake de Talking Heads, con guión de Alan Bennett. Primer episodio visto y duelo casi superado. Promete.

Pero volvamos a Inside No. 9, antes de que la memoria de pez (hoy toca tema marino) que nos produce el exceso de oferta en series acabe borrando los recuerdos de esta perla (ejem) que me ha encantado, por si quedaban dudas.

Por si no la conoces: Inside No. 9 es una comedia negra británica emitida por la BBC entre 2015 y marzo de este año, 2020. En España está disponible en Filmin.

La serie está escrita y protagonizada por Steve Pemberton y Reece Shearsmith, con un formato de antología, que supone que cada episodio es una historia independiente, con un nexo en común: lo inesperado dentro de lo cotidiano. El 9 del título hace referencia al espacio en el que tiene lugar el episodio, que suele ser un espacio cerrado: la casa número 9 de la calle, el camerino número 9, el vagón de un tren número… ya lo has pillado. Esos escenarios limitados dan un toque teatral a los episodios.

Como curiosidad, la cabecera de esta serie recuerda a la de la mítica Historias para no dormir, emitida en las décadas de los 60, 70 y 80. Eso sí: el jingle de Inside No. 9 es mucho más sutil que el audio que da entrada a la serie española. Juzga tú.

Pero el referente que te viene a la cabeza cuando empiezas a ver Inside No. 9 es otra serie antológica británica: Black Mirror. Ambas coinciden en esa crítica social despiadada que ofrecen. También son similares en el tono irónico, muchas veces sarcástico, todo salpicado de toques de humor negro muy British. Sin embargo, mientras que en Black Mirror la tecnología es el desencadenante de las situaciones que se plantean, en Inside No. 9 es la propia naturaleza humana. No necesitamos máquinas para encontrar el horror en lo cotidiano.

Otros referentes son Roald Dahl y sus Relatos de lo inesperado, o la serie antológica norteamericana Alfred Hitchcock Presenta.

Ver cualquier número 9 ya me produce ansia

Inside No. 9 abarca muchos géneros, muchas veces entremezclados en un mismo episodio. Prefiero no dar ejemplos aquí porque la sorpresa final puede venir precisamente de ese salto de un género a otro, pero imagina una comedia romántica que acaba siendo una historia de horror. O al revés.

Pese a la variedad de los géneros, existe un tema recurrente en los 31 episodios: en la mayoría te van a hacer creer que estás viendo una cosa, pero prepárate para el zasca final. Porque caso seguro que es algo completamente diferente de lo que esperabas.

Y manejan bien ese factor sorpresa. Porque todo está ahí desde el principio. Te lo van contando todo. Hay maniobras de distracción y pistas falsas también, pero bien puestas. Con las palabras justas. Todo encaja tan bien, que no te sientes engañada. No. Lo que quieres es ser capaz de escribir un guión como Pemberton y Shearsmith.

Pero Inside No. 9 no solo se disfruta por el guión y sus puzles, también el trabajo de los actores es una parte destacable de esta serie. Pemberton y Shearsmith me parecieron muy creíbles en sus cambios de registro a través de los distintos géneros que se muestran en esta antología, pasando de la comedia al drama con nota, especialmente el primero. Y, además, se hacen acompañar por muchas caras conocidas del cine y las series británicas, como Fiona Shawn, Rory Kinnear, Keeley Hawes, Timothy West o Nicola Walker (coprotagonista de otra serie cuyo final me llevó de cabeza a otro duelo, River).

Aunque cada episodio te aporta algo —esa reflexión sobre lo que acabas de ver, la sorpresa, el horror, la risa sardónica—, te dejo aquí algunos de mis favoritos, aunque no contaré mucho de ellos porque es fácil destripar el final casi sin querer.

  • The 12 Days of Christine, temporada 2 episodio 2. Christine conoce a Adam en una fiesta de Nochevieja. Se enamoran, se van a vivir juntos, se casan. Una historia corriente que quizás no lo es tanto.
  • Zanzibar, temporada 4 episodio 1. Un drama shakesperiano escrito y recitado en pentámetro yámbico (o verso blanco inglés) y que, por tanto, se debe disfrutar sí o sí en versión original.
  • Once Removed, temporada 4, episodio 3. Un trabajador de una empresa de mudanzas llega a una casa y se encuentra algo más que muebles para transportar.
  • To Have and To Hold, temporada 4 episodio 4. Una pareja con problemas conyugales está planificando la renovación de sus votos matrimoniales.
  • Dead Line, episodio especial de Halloween. El episodio comienza grabándose en directo desde un estudio de grabación de la BBC.
  • Love’s Great Adventure, temporada 5 episodio 3. Una madre trata de que su familia celebre la Navidad como siempre pese a los problemas económicos que sufren.
  • Misdirection, temporada 5 episodio 4. Un popular mago es entrevistado por un joven periodista aficionado a la magia.
  • The Stakeout, temporada 5 episodio 6. Un veterano policía y su nuevo colega pasan la noche vigilando a un sospechoso.

Por si aún no te he convencido, aquí tienes un vídeo de Filmin con 5 razones para ver Inside No. 9:

Ah, y lo más importante: la BBC confirmó en marzo que tendremos dos temporadas más de Inside No. 9 🙂

Información adicional:

Una lectora nada común, de Alan Bennett

Los malditos corgis tienen la culpa. Isabel II anda persiguiendo a sus perros por las terrazas del palacio cuando se los encuentra ladrando a la furgoneta de la biblioteca pública móvil, aparcada junto a las puertas de las cocinas. Al entrar en el vehículo para disculparse por el ruido, conoce a un joven pinche de cocina que se convertirá en su mentor literario.

Una lectora nada común (The Uncommon Reader, 2007), de Alan Bennett, llevaba tiempo en mi (larga) lista de libros para leer: desde que vi la película The Lady in the Van (2015), basada en un libro autobiográfico de Bennett publicado en 1990.

Bennett, peinado a lo Redford en el 73.

Se trata de una novela corta de poco más de 120 páginas que se lee rápido pero que deja huella. Es muy divertida. La actual monarca del Reino Unido es esa lectora nada común del título que descubre los placeres de la lectura a los 79 años gracias a Norman Seakins, el pelirrojo gay y desgarbado que trabaja como pinche en las cocinas del palacio de Buckingham.

Es curiosa la relación entre estos dos personajes tan dispares. Parece una subversión del efecto Pigmalión, esa historia en la que un varón culto educa a una mujer de origen humilde hasta lograr su transformación en una persona instruida y elegante. Piensa en My Fair Lady, obra que aparece mencionada en las primeras páginas de esta novela. Ahora invierte la clase social de los protagonistas: Henry Higgins es el joven humilde y Eliza Dolittle es Isabel II.

Claro que aquí no hablamos de modales. La educación que recibe la reina libro a libro lo que consigue es humanizarla. Porque la reina que vemos al inicio del relato tiene mucho más en común con su figura de cera en Madame Tussauds que con cualquier otro ser humano. Como ya indica el título, ella es uncommon, lo opuesto a common: común, corriente, popular. Si no fuera porque se trata de una —casi— octogenaria, esta novela se podría leer como una Bildungsroman en la que la reina se va transformando en humana a golpe de libro.

La novela es una parodia muy sutil de la monarquía y de toda su maquinaria. El personal de palacio, acostumbrado a la reina de siempre, inmediatamente concluye que su repentino interés por la literatura solo puede ser un síntoma de senilidad. El primer ministro ve como un atrevimiento intolerable los intentos de la reina de recomendarle libros. Pero claro, la reina es la reina y nadie puede decirle lo que piensa sin más. Sus numerosos asistentes personales buscan la manera de hacerle ver que su nueva afición es poco popular. Sir Kevin, su secretario personal, de quien se nos informa que tiene el objetivo de hacer más popular la monarquía, se atreve a decirle que la lectura, aunque no exactamente elitista, resulta excluyente. No porque el pueblo no pueda leer, sino porque no lo hace. De ahí que no vea con buenos ojos la nueva afición de su majestad.

La reina con la sonrisa de saludar al pueblo, deseando volver al palacio con su libro.

La literatura es la gran protagonista de esta novela. Una lectora nada común es una carta de amor a la lectura y una estupenda reflexión sobre su función, que no es la misma para todos los lectores. Para algunos, retratados aquí en el personaje de Norman, es entretenimiento. Para otros, como la reina Isabel, es algo más.

I read, I think, because one has a duty to find out what people are like

La reina de Bennett no olvida su rol como soberana del Reino Unido y, con esta frase, busca la manera de que su afición encaje como una más de sus obligaciones: conocer cómo es la gente. Sin embargo, la lectura le hará cambiar la forma de ver la vida, como acabamos viendo en su última (y sorprendente) frase final.

Y ya termino —o el post acabará siendo más largo que la novela—, recomendándote este libro si te gusta el humor muy británico y muy travieso de Bennett, un autor al que sin duda seguiré leyendo y viendo —tengo pendiente la película La locura del Rey Jorge, con guión del autor basado en su obra de teatro del mismo título. Una lectora nada común viene, además, con el regalo adicional de una buena lista de referencias literarias, otro motivo para no perdérsela.

  • Un viaje a las interioridades del palacio de Buckingham.

  • Un paseo en la carroza real con el personaje más hilarante del libro pese sus pocas líneas de diálogo: el duque de Edimburgo.

  • Un buen consejo para lectores noveles: empieza por leer lo que más te gusta y luego ya irás subiendo el listón (si quieres).

  • Una sonrisa. No es un libro para reír a carcajadas, pero es difícil que no acabes con una sonrisilla, como mínimo.

Información adicional:

Podcasts en inglés sobre cine y libros

Tener un perro ayuda a aprender inglés. Lo sacas a pasear, te pones los cascos, le das play al podcast y… voilà! Tú aprendes, te distraes y haces ejercicio y tu perro es feliz. Te diría que incluso podría funcionar sin perro, pero nunca lo he probado. No te lo puedo asegurar.

Si te gustan los libros y el cine y quieres aprender inglés, estás de suerte. Hay muchos podcasts que te permitirán practicar un poco de listening comprehension a la vez que disfrutas escuchando críticas, entrevistas, consejos sobre técnicas de escritura, etc.

Aquí te cuento acerca de algunos de los que más suelo escuchar, pero hay por ahí muchos y muy buenos, sobre los temas que te interesen. ¿La gran ventaja de los podcasts frente al vídeo? Para mí, el factor tiempo: necesitas encontrar tiempo para ver un vídeo pero no para escuchar un podcast. Puedes hacerlo mientras conduces o en el transporte público, paseando, haciendo las tareas de casa, etc.

Podcast para nivel de inglés intermedio (B1)

Luke’s English Podcast

Luke es una muy buena mezcla de profesor de inglés y cómico de monólogos. Se nota que le gusta el cine y dedica varios episodios de su podcast a hablar sobre películas que le han gustado. Muchas veces dedica algún podcast a conversaciones con amigos y familiares. Con su madre, por ejemplo, suele hablar de libros.

Es fácil entender a Luke. Su acento es el que se conoce como RP (Received Pronunciation), que es el inglés conocido como el inglés de la BBC o el inglés de la Reina. No es un acento regional: es una mezcla de acentos del centro y del sur de Inglaterra, que denota una cierta clase social (de ahí lo de la Reina). Luke no habla muy despacio, pero sí se nota que se esfuerza por pronunciar bien cada palabra. Es perfecto para un B1, pero también para niveles más avanzados que quieren mejorar su vocabulario y pronunciación.

Algunos episodios para empezar (todos incluyen una transcripción en el enlace):

Podcasts para un nivel de inglés avanzado (B2-C1 o superior)

Disclaimer: hay que tener en cuenta que estos podcasts NO han sido creados para estudiantes de inglés, por tanto vamos a escuchar a hablantes nativos que conversan a un ritmo normal y que pueden resultar difíciles de entender si no tienes el oído entrenado. Aconsejo empezar por Luke antes de pasar a cualquiera de estos.

Para un nivel B2, una buena forma de empezar es el primer podcast de la lista, The Worried Writer. El resto son para niveles más avanzados u oídos más acostumbrados al inglés de hablantes de distintos países anglosajones.

The Worried Writer

La escritora Sarah Painter se identifica como worried writer: escritora temerosa, o preocupada. El subtítulo del podcast, dirigido principalmente a escritores en potencia, es for those suffering from self-doubt, fear and procrastination: para aquellos que sufren de inseguridad, miedo y procrastinación. A mí la descripción me encaja como anillo al dedo, así que le estuve siguiendo hasta que dejó de grabar nuevos episodios este verano, aunque ha comentado que es una pausa temporal y no un punto final. Ojalá.

Creative writing for the timid: la adoro

Sarah tiene un agradable acento escocés y habla despacio, con un tono de voz muy dulce y relajante. En su podcast cuenta en primera persona su experiencia como escritora novel, dando muchas ideas para personas que, como le ocurrió a ella, necesitan dejar de preocuparse y empezar a escribir ya. El podcast se puede seguir como una guía para las personas que se quieren empezar a escribir, ya que los consejos de Sarah abarcan desde técnicas de escritura hasta herramientas de marketing para vender tus libros, pasando por estrategias de publicación. También incluye entrevistas con otros autores, en su mayoría indies, que cuentan sus propias preocupaciones y soluciones.

  • The Worried Writer Episode#59: 2020 Writing Goals. Un episodio prepandemia en el que Sarah definía sus objetivos para este año que nos ha salido rana. Es un episodio sin entrevista, de los que ella define como «just me episodes». Desde el punto de vista del idioma, puede resultar más fácil de seguir que las entrevistas, que dependen de la velocidad y el acento de la persona invitada.
  • The Worried Writer Ep#64: Hayley Chewins ‘I work very intuitively’. Entrevista a Hayley Chewins, autora sudafricana de novela juvenil. Aunque no conozcas a los entrevistados (muchos de ellos no han sido traducidos al español), cada entrevista resulta muy interesante por la manera intimista en que se aborda el proceso creativo de cada uno de ellos, así como sus inicios en el mundo de la escritura. En el enlace al podcast encontrarás una transcripción del episodio, que te puede servir de ayuda si se te escapa parte del vocabulario.

The Creative Penn Podcast For Writers

Joanna Penn es una escritora y emprendedora británica que no para: ha escrito más de 30 libros, publica un podcast semanal y tiene su propia editorial. Reconozco que no he leído nada suyo, ya que el tipo de novela que escribe (por ejemplo, thrillers tipo El código Da Vinci), no es my cup of tea, no es lo mío. Pero su entusiasmo y energía son contagiosos. Te convence de que tú también puedes hacerlo.

Si vas a escuchar a Joanna, más vale que conozcas cuanto antes estas dos palabras, que identifican a los tipos de escritores según su forma de enfrentarse a la tarea de escribir:

  • Plotter: un plotter es un escritor que planea antes de empezar, que hace esquemas, anotaciones, o mapas mentales. Puede dedicar mucho tiempo a esta etapa y, cuando se pone a escribir, ya tiene claro cómo va a acabar la historia.
  • Pantser: un pantser, por el contrario, un escritor que va improvisando, dejando que la historia vaya evolucionando de forma libre, con solo algunas ideas de lo que puede ocurrir. La palabra viene de la expresión fly by the seat of your pants, que en español sería algo parecido a improvisar sobre la marcha.

Algunos episodios para empezar (incluyen transcripción):

David Tennant Does a Podcast With…

El actor escocés David Tennant (Dr. Who, Broadchurch, Jessica Jones, Good Omens, etc) tiene un podcast en el que entrevista a actores, guionistas, directores e incluso a un ex primer ministro. Tennant habla con un marcado acento escocés que te puede resultar difícil si no tienes el oído acostumbrado. Yo le podría escuchar durante horas y horas, me encanta.

Si no sabes por dónde empezar:

  • Gandalf himself, Ian McKellen: no te pierdas el momento en que McKellen reconoce que le confunden a menudo con Dumbledore (minuto 32:25), algo que él mismo ha comentado con el actor que interpreta al mago de Hogwarts, Michael Gambon.
  • Olivia Colman: una de mis actrices favoritas y protagonista junto a Tennant de la serie Broadchurch.
  • Neil Gaiman: el escritor es el autor del texto original de la serie Good Omens, protagonizada por Tennant.
El pelazo (de ambos) que te pierdes al escuchar el podcast

Writer’s Routine

Presentado por el enérgico Dan Simpson, este podcast se centra en las rutinas de los escritores: ¿dónde escriben?, ¿qué tienen sobre la mesa y en las paredes?, ¿qué horario eligen para trabajar? El podcast alimenta nuestro lado cotilla (estamos entrando en las casas de los escritores) y también resulta inspirador, porque los autores se desvelan como humanos normales y corrientes, con sus manías y sus defectos.

  • Matt Haig: el autor de Los humanos nos cuenta dónde escribe, como planifica su día e incluso qué tipo de fuente prefiere para escribir.

OnWriting: a podcast of the Writers Guild of America, East

El último podcast de la lista está centrado en la escritura de guiones.

  • Charlie Kaufman: el director y guionista habla de su último trabajo para Netflix, I’m Thinking of Ending Things.
  • Greta Gerwig: entrevista a la autora de la última adaptación de Little Women. Si tú también quisiste ser Jo March de niña —como Gerwig, como yo—, disfrutarás con esta adaptación.
  • Michael Arndt: el guionista de Pequeña Miss Sunshine comenta su vídeo Happy Endings, del que ya hablé aquí. Es una clase magistral que desvela el truco para escribir finales de los que dejan al público boquiabierto.

Podría seguir y seguir, porque llevo muchas horas de paseo perruno a mis espaldas y acabo escuchando muchos. Muchos. Pero creo que ya es bastante por hoy. Si tienes alguna recomendación para completar esta lista, por favor deja tu comentario 🙂